ノートル・ダム楽派 の活動は、13世紀半ば頃に終わりますが、その後、 アルス・ノヴァ までの時期の音楽を アルス・アンティクワ （古芸術）と呼んでいます。そう呼んだからといって、けっしてその内容が古いというわけではなく、 アルス・ノヴァ の時代から見れば、前代の音楽であるという意味に過ぎません。この アルス・アンティクワ の時代には、 定量記譜法 がさらに進歩し、 モテトゥス と呼ばれる新形式の曲がその隆盛期を迎えることになります。

　 オルガヌム （多声楽曲）がさまざまな形で発展していくなかで、定旋律の上声部に、定旋律の歌詞とは別に、その歌詞を説明するような歌詞がつけられるようになっていきます。その声部を モテトゥス と呼んだことから、そういう技法による楽曲そのものを モテトゥス というようになったのです。当初 モテトゥス と呼ばれていたその上声部には、すでに説明したように、定旋律の歌詞の説明という役割がありました。そのため、その歌詞がフランス語で書かれるようになると、結果的に、同時に異った国の言葉で歌われるという結果を招いたのです。そして、それはまた世俗的な歌詞の導入、さらには、 世俗的な音楽 の旋律の使用という現象を導くことにもなり、音楽そのものが世俗性を強く帯びるようになっていったのでした。

　 アルス・ノヴァ の音楽は、前代のそうした変化を受け継ぎ、さらに新しい技法上の変革をも付け加えて、音楽を一歩進めたところに歴史的な意義を認めることができます。現実的に、まず第１にいえるのは、この時期の作曲家が、作品を書くときに ポリフォニー の技法を用いたことです。たとえば、この時期の代表的な作曲家である ギョーム・ド・マショー （Guillaume de Machault, 1300頃-77）は、その ミサ曲 全体を ポリフォニー の技法によって書いていますが、そうした例は少なくありません。

　また、この時期には、さらに 定量記譜法 が発達しました。従来は、キリスト教の教義的な影響から３拍子を正統としていたのが、次第に２拍子を中心にして音楽を作るようになったのも、１つの新しい傾向と考えることができます。しかし、なによりも重要なことは、音楽が 世俗性 を指向していたことで、その傾向は14世紀のイタリアで特に著しいものがありました。

2. 14世紀のイタリア音楽

　フランク王国が分裂して生まれたイタリア王国は、主としてイタリアの北部地方を領有していましたが、その後、 オットー大帝 時代には神聖ローマ帝国の一部となってしまいました。中部は教皇領で、南部には11～12世紀にかけて侵入してきた ノルマン人 の国家が作られていました。

　こうした分立状態のイタリアにあって、北部地方は、11世紀以来200年にもおよぶ 十字軍 の遠征時代に積極的にこれを支援し、いち早く、東地中海における経済圏を確保します。そして、それに協力した諸都市は最も早く近代化していったのです。港湾都市としての ヴェネツィア 、 ピサ 、 ジェノヴァ 、内陸の仲介貿易都市としての ミラノ や パヴィア などが、その代表的なものです。これらの都市は 都市国家 としての形態をととのえ、互いに対立抗争を繰り返しながら、相共に繁栄していきました。17世紀初めに音楽史上で重要な役割を果たすことになる フィレンツェ も、やや遅れて13世紀後半から14世紀にかけて台頭し始めます。

　ここで注目すべきことは、こうした都市を治めたのが、王侯でも貴族でもなく、都市経済の中心人物となりつつあった富裕な商人や、それをとりまく一般の市民だったということです。それはまだ、 フランス革命 後の ブルジョワジー （近世的な意味での市民階級）とまではいかなかったものの、そうした現象のなかに、中世の 封建社会 がようやく崩れ始め、やがて ルネサンス を迎えて、近代ヨーロッパが開幕していくのを見ることができます。そうした時代背景のもとに 《神曲》 の ダンテ （Dante,1265-1321)、詩人の ペトラルカ （Petrarca,1304-74）、 《デカメロン》 で有名な ボッカッチョ （Boccaccio, 1313-75) などが現れ、画家では ジョット （Giotto,1276-1377頃)が出て、イタリア・ルネサンスの盛期へとつながっていくのです。

　そのころ、イタリアから見れば、アルプスの向こう側にあるヨーロッパ世界では、教会の 大分裂時代 （1378～1417）やフランスとイギリスの間の 百年戦争 （1337～1453）、それに ペスト の流行まであって、文化的にはまったくの不毛時代だったといえます。そうした世情的なバランスの不均衡が、イタリアに ルネサンス をもたらしたのだといえなくもありません。

　この時期のイタリアでは、 マドリガル や カッチャ とよばれる 世俗的な音楽 が盛んでした。もちろん、北部が中心で、特に フィレンツェ で盛んでした。

　マドリガル は、２つまたは3つの３行詩に、２行の リトルネロ とよばれる詩節が付けられる形の楽曲で、自由に創作された旋律を上声部に置く二声部の曲として作られました。下声部は楽器で奏されることが多く、内容も、恋愛詩や田園詩といったもので、形式・内容ともに、きわめて世俗性の強いものでした。もう１つの カッチャ は、狩猟を題材としたイタリア語の歌詞による情景描写的な曲で、三声部で作られましたが、下声部はやはり楽器で奏されました。

　そのほか、 バラータ と呼ばれるものもありました。この時期を代表する作曲家に、 フランチェスコ・ランディーノ （F. Landino, 1325頃-97）がいます。彼は盲目ながら楽器をよくし、これらの世俗的な作品を多く残しています。

3. 15世紀から16世紀へ

　15世紀から16世紀へかけてのヨーロッパ世界は、前代に引き続いての変動の時期であり、中世的な 封建社会 が次第に崩れ、より強力な諸侯が国王として君臨する近代的な国家形態が成立することになります。それがやがては 絶対王政 による支配、つまり、近世の 絶対主義時代 へと結びついていくことになる、そういう時代でした。

　 この時期の音楽は、一般には ネーデルランド楽派 といった言葉で表されています。それはこの時期の音楽活動が、主として ネーデルランド （現在のベルギーとオランダ地方）出身の音楽家によって行われたからで、その地方に限定された音楽活動を意味するわけではありません。そして、その活動範囲はヨーロッパ全体にわたっており、さらに詳細に考察してみると、その変化にはいくつかの段階のあることがわかります。特筆すべき現象を順に取り上げていってみましょう。

　 まず、15世紀前半にイギリスに ダンスタブル （J. Dunstable, 1370頃-1453）が出て、 アルス・ノヴァ の技法をさらに発展させます。彼は新しいイギリス音楽の様式を築くとともに、15世紀前半の大陸の音楽に大きな影響を与えました。現存する最古の カノン といわれる《夏はきたりぬ》は13世紀のイギリスで書かれたものとされていますから、その頃には、大陸に発生した オルガヌム技法 も入ってきていたようで、民謡にもとづく 多声音楽 も盛んに作られていました。 ダンスタブル は、そうした基盤に立って当時の新しい技法を取り入れ、それを利用してさらに新しい音楽を書いて、大陸へ逆輸出したところに彼の功績を認めることができます。

　イギリスの地に アングロ・サクソン7王国 が建国されたのは５世紀の中頃のことです。その後11世紀にフランスのノルマン貴族に征服されますが、その王朝も12世紀後半には断絶してしまい、フランスの 大諸侯アンジュー伯 がその跡を嗣ぐことになります。そのために、フランスの貴族は英仏両国に領土を持つようになり、当然の結果として、そこに文化の交流が生じ、後のイギリス文化を生みだすことになります。 ダンスタブル が活動したのは、そういう時期のイギリスでした。その後のイギリスは、 百年戦争 や バラ戦争 を経験しながら、 チューダー朝 の開始とともに 絶対主義国家 の基礎を築き、16世紀後半の エリザベス朝時代 （1558-1603）を迎えることになります。

　この ダンスタブル の活動と重なるようにして、 ブルグンド宮廷 を中心に活動した２人の作曲家、 デュファイ （G. dufay. 1400頃-74）と バンショア （G. Binchois, 1400頃-64）が現れます。 ブルグンド というのは、フランス東部の一公国で、当時はフランドル地方を領有していました。経済的にも豊かで、壮麗な軍隊を擁して、フランス国王の反対勢力の中心となっていましたが、15世紀末には滅びてしまいました。しかし、当時の宮廷には多くの文化人が集まっており、中世的な騎士道の伝統も残して、文化的にも水準が高かったのです。

　デュファイ はこの宮廷で10年ほどを、また バンショア は20年ほどを過ごします。彼らの音楽は、技法的には アルス・ノヴァ の伝統を受け継ぎ、それに ダンスタブル によるイギリス音楽の技法を取り入れて、十分に消化した上で駆使しており、上声部に動く装飾的な旋律を下声部で支えるという形での三声部書法による多くの名曲を残しています。

　こうした作曲家を通して推進された音楽の推移のなかに、音楽が宗教的もしくは教会的な性格から、音楽自体の芸術性へとその機能を移行していったことが認められます。たとえば、 ジョスカン の作品では歌詞が重視され、それに見合う旋律作成という点に苦心が払われています。そのため、ことばを音楽的に的確に表現するために、特定の言葉に特定の音型を用いるといったこと、つまり、表現芸術としての音楽の特性が中心的な技法上の目標になっています。そして、このことが、教会音楽、 世俗音楽 を問わず、それぞれの曲種に応じた音楽語法を生み出すことにつながり、音楽の自律性へ一歩を踏み出したことを意味しています。

　それと同時に、音楽が、 対位法技法 による線的な旋律形成を主体としながらも、声部数の増加、二重合唱といった形式に当然現れてくる和声的な響きにも目を向けるようになってきます。さらに、近世的な意味での、主題とその操作という面も打ち出されるようになってきます。しかし、技法的には、 模倣法 が大きく活用され、それに伴って、拡大法と縮小法、逆行法など、複雑な 対位法技法 が中心となって楽曲が書かれ、総体的には、この時期は ポリフォニー音楽 の頂点を築いた時代ということができます。

5. 16世紀の諸楽派

　 ネーデルランド出身の音楽家たちは、ヨーロッパの各地に散り、それぞれの活動を通じて、その地に音楽の伝統を築きあげていきます。そのなかで最も顕著なのが、 ヴィラールト による ヴェネツィア楽派 でした。

　 ヴィラールト （A.Willaert, 1490頃-1562）は、1527年からヴェネツィアのサン・マルコ大聖堂の楽長を務め、多くの弟子を育てました。彼と彼の後継者たちによる一群の作曲家の活動を ヴェネツィア楽派 と呼んでいます。その音楽で最も特徴的なのは、 二重合唱 の使用です。 二重合唱 というのは、２つの合唱隊による演奏のことで、今風にいえば、一種のステレオ的な効果を生みだす演奏法でした。聖堂内の正面に向かって、両側に位置する２つの聖歌隊の作り出す響きは壮麗で、それぞれの側に備えつけられたオルガンの響きとともに、独特の効果を上げていました。この 二重合唱 による２つの群の扱いという形は、後の協奏ふうな演奏効果につながっていきますし、その空間的な広がりを持つ音響効果は、それ自体、 ポリフォニー の後退を意味するものといえます。

　 また、この楽派の音楽活動に見られる声楽と器楽の結合、純粋の器楽曲の進展、17世紀に始まる和声音楽への萌芽など、後世への影響にはきわめて大きなものがあります。とくに、 二重合唱 のための モテトゥス を利用した多声形式の器楽曲 カンツォーナ や、器楽曲としての合奏用 ソナタ などが生み出されたことは、このあとに、イタリア・ バロック の器楽が開花するだけに、ことのほか重要といえます。

　この楽派には、 ヴィラールト のあと、 ツァルリーノ （G. Zarlino, 1517-90）、 アンドレア （1510頃-86）と ジョヴァンニ （1557頃-1612）の 両ガブリエリ （AおよびG.Gaburieli)などが出て、17世紀になって モンテヴェルディ へと受け継がれることになります。

　ちょうど同じ頃に、ローマには パレストリーナ （G. P. da Palestrina, 1525頃-94）が出て、教会音楽を中心に、やや保守的ながら芸術性豊かな ポリフォニー音楽 を作っていました。とくに、彼の音楽は、各声部の旋律と和声との融合、いいかえれば、 ポリフォニー 的要素と ホモフォニー 的要素の均衡という点に見るべきものがあります。この パレストリーナ を中心とするローマ教皇の礼拝堂に属する作曲家たちによる活動を ローマ楽派 という言葉で表していますが、この地に、 ヴェネツィア楽派 の 二重合唱 様式が入ってくるのは17世紀になってからのことです。

　その他のヨーロッパ地域では、スペインの ア・カペラ様式 の合唱曲に見るべきものがあります。また、オランダには スヴェーリンク （J. P. Sweelinck, 1562-1621)が出て、オルガン音楽の面で重要な作品を残しました。さらにイギリスでは、 英国国教会 の設立という宗教上の問題もあり、カトリック的な音楽も盛んになって、 バード （W.Byrd, 1543-1623）や ギボンス （O. Gibbons, 1583-1625)などが出て、宗教曲や世俗的な器楽曲を残しています。一方宗教改革運動が起こって混乱していた当時のドイツでは、音楽面では見るべきものがありません。

6. 16世紀の世俗的な歌曲と器楽

　この時期のイタリアでは、 フロットーラ 、 ヴィラネラ 、 マドリガル といった 世俗的 な歌曲が盛んに作られました。時期的には フロットーラ が一番早く、15世紀の終りから16世紀の前半にかけて、主として北部イタリアで盛んになりました。この歌曲には３つまたは４つの詩節があって、その前後に リフレイン がつけられ、音楽的には四声部の和声的歌曲として処理されています。一方、 ヴィラネラ は南部イタリア起源の歌曲で、16世紀中頃に盛んに歌われていたものですが、言葉の意味は〈田園の歌〉であり、多分に民衆的な性格を見せています。

　もう１つの マドリガル は、14世紀時代のそれとは関係がなく、16世紀初め頃から17世紀前半時代まで、いろいろな変遷をへて発達したものです。初期には三声ないし四声の多声曲として作られ、多分に フランドル楽派 の モテトゥス に似ているところがありました。しかし、16世紀後半時代になると、むしろ ポリフォニック な要素が強められ、歌詞の内容を音楽で表すという描写性が強く打ち出されるようになります。そして、17世紀時代に入ると、 ホモフォニック な要素が強くなり、独唱部分も多くなっていきます。

　 同じ頃、フランスでは、 シャンソン とよばれる 世俗的 な歌曲の流行を見ます。これは四声部で、詩句の切れめと音楽的な段落とを一致させて、言葉を明瞭にしようとする努力が見られます。形式的には自由なものが多く、描写的な表現が強調され、後の標題音楽ふうな作品も残されていますが、16世紀後半になると、主旋律を最上上声部に置く有節形式の構造をとり、全体としては、やはり ホモフォニック な傾向を見せています。


　一方、器楽面では、 リュート 、 オルガン 、 チェンバロ と クラヴィコード などの楽器が盛んに用いられました。 リュート は、現在のギターに類似した楽器で、６本の弦を持ち、 フレット がついている弦楽器です。 テオルボ とか キタローネ というのは、このリュートの変種です。この楽器は16世紀から17世紀の中頃まで、家庭用の楽器として愛用されましたが、特徴的なのは、記譜のための リュート・タブラチュア と呼ばれる独特の方法があったこと。これは、６本の弦を表した６本の線の上に、文字や数字を書き込み、 フレット や指の位置を示す方法でした。したがって、その譜線は、現在の楽譜のように音の高低を明示するのではなく、リズムはタブラチュアの上側に書き込んで示しました。楽曲形式としては、 ファンタジア 、 リチェルカーレ 、 トッカータ もしくは プレリュード 、それに 変奏 形式が用いられました。代表的な作曲家としては、ドイツの ノイジードラー （H. Neusieidler, 1510頃-63）がおり、後の バッハ にも数曲のリュート曲が残されています。

　オルガン の発生は古く、ほぼ現在のような形になったのは15世紀末頃のことです（もちろん電気を使用したわけではありません）。しかし、教会に使用され始めたのはもう少し早く、９世紀頃からであり、純粋に器楽曲用に用いられるようになるのは14世紀頃からです。そして、15世紀には演奏法も確立されてくるものの、 オルガン に固有な楽曲が書かれるようになるのは16世紀になってからのことです。その点では、 チェンバロ や クラヴィコード の場合も同じで、当初は、声楽曲をそのままこれらの楽器で演奏することが多く、 オルガン 曲との間にそれほど明確な区別は見られなかったのです。 チェンバロ の小型の楽器である ヴァージナル は、特にイギリスで発達し、 エリザベス朝時代 には、 バード や ギボンス を中心とした作曲家の作品に優れたものを残しています。大部分は声楽曲を編曲したものが多い中で、 舞曲 や ファンタジア など、オリジナルな曲種も少なくありません。 変奏 形式を好んで用いたのも１つの特色といえるでしょう。

　弦楽器では、 ヴァイオリン の前身楽器である ヴィオール属 の数種があり、イタリアでは、 ヴィオラ・ダ・ブラッチョ （のちの ヴィオラ ）や ヴィオラ・ダ・ガンバ （のちの チェロ ）などと呼んで区別していました。こうした弦楽器から ヴァイオリン が生み出されてくるのは16世紀に入ってからです。また、管楽器では、たて吹きのフルート属の楽器である リコーダー が盛んに用いられました。こうした楽器は、楽器自体の機能がまだ不完全であったため、合奏という段階には至らず、弦楽合奏が本格的に行われるようになったのは、17世紀に入ってからのことといえます。