17世紀時代にはオーストリアの ハプスブルク家 の分国のような形だったスペインは、フランスの ブルボン王朝 の隆盛にともない、18世紀初めには ブルボン朝 系の王による 絶対主義国家 となりました。イギリスは16世紀後半の エリザベス女王 のあと、1649年の 清教徒革命 、60年の 王政復古 、88年の 名誉革命 といういくつかの歴史的な事件を経て、1707年にはスコットランドを併合して 大ブリテン連合王国 となります。その頃には、 清教徒革命 後にアメリカに移住した人たちによってアメリカが建国され、1776年に 独立宣言 を行うことになります。ロシアはやや遅れて、近代国家としての形態を整え始めましたが、まだこの時期には充分にその力を発揮するには至っていません。

　このバロック時代に先立つ３世紀ほどの間は、ヨーロッパ全土にわたってルネサンスの運動が展開された時期です。 ルネサンス というのは、14世紀頃から16世紀頃にかけてヨーロッパにおこった精神的、文化的な運動です。それまでの文化が王侯貴族や聖職関係者によって作られていたのに対して、一般市民階級の間におこった世俗的市民文化であるという特徴があります。

ルネサンス は自然と人間を発見した文化だといわれています。これは１つには、科学の発達によって人々が世界観の広がりに目ざめたことと、それによって人間とはなにかを考えるようになったことと関係があります。いいかえれば、 中世 的な教会と対立せざるをえなくなった状況から生まれてきたのが ルネサンス でした。つまり ルネサンス とは、「人間のあるがままの姿を追求するという ヒューマニズム の精神」にほかなりません。また、1453年には ビザンツ帝国 が滅亡して、イタリアへ亡命してきた学者や文化人により、古代の学術書や文学書が紹介されて大きく啓発されたことも刺激となりました。そうしたルネサンス思潮は、15世紀における グーテンベルク （J.G.Gutenberg, 1400頃-68）の 活版印刷術 の発明と発達によって、ヨーロッパ全土に急速に伝えられていくことになります。

　こうして、15世紀時代には、画家の ボッティチェリ （C,Botticelli, 1444-1510)をはじめ、 レオナルド・ダ・ヴィンチ （Leonaldo da Vinci)　、 ラファエロ （S.Raffaello, 1483-1520)、　 ミケランジェロ （B. Michelangelo, 1475-1564)　などが現れます。また科学の面では、地動説の コペルニクス （N.Copernicus, 1473-1543)やそれを発展させた ガリレイ （G. Galilei, 1564-1642)などが現れ、印刷術と同様に、 羅針盤 や 火薬 の発明などが相次ぎます。こうして精神的な面だけではなく、物質面からの人間の思想的変革も行われるようになって、人々の考え方を根本的に変えていくことになるのです。

　音楽史で バロック時代 といっている時期は、そうした人間精神の変化と社会的な情勢の変化を受けて、次の フランス革命 による近世的な人間性への目ざめ、つまり、個人としての人間が確立されていくまでの、過渡的な時代といえるでしょう。同じように音楽もまた、近世音楽（つまり 和声音楽 ）への準備的な時期であるといえます。いいかえれば、「われわれが現在親しんでいる音楽のさまざまな要素が、この時代にほとんど登場しはじめた」といってもいいでしょう。

　この バロック時代 で音楽史的に大切なことがらは、2つあります。１つは 劇音楽 （直接には オペラ ）の誕生とその発展であり、もう１つは本格的な 器楽 が興隆（こうりゅう）したことです。

2. 歌劇の誕生とその発展

　 　 16世紀の末頃、イタリアの フィレンツェ に、 カメラータ とよばれる、ある貴族を中心とした文化人グループがありました。有名な天文学者の父で音楽家であった ヴィンチェンツォ・ガリレイ （V. Galilei, 1520-91)や作曲家の カッチーニ （G. Caccini,1550頃-1618）、その地の宮廷楽長だった ペーリ （J. PERI, 1561-1633)、 オラトリオ の創始者として知られる カヴァリエリ （E.del Cavalieri, 1550頃-1602）、それに詩人の リヌッチーニ （Q. Rinuccini, 1562-1621)などがそのメンバーでした。

カメラータ の活動は、それまでの音楽の中心な技法であった ポリフォニック な書法への反発から生まれました。従来の方式では、多声部にわたる各声部が旋律的に輻輳（ふくそう）しあって、言葉によって表される詩そのものが犠牲にされてしまいます。そこで、その欠点をなくし、言葉をもっと音楽の中で活かしていこうとしたのです。そのために、彼らは ギリシャ悲劇 にその理想を求め、音楽の劇的表現というものを目ざしました。もちろん、 ポリフォニック な技法は使わず、 朗唱式 （ レチタティーヴォ ）または 表現式 （ ラプレゼンタティーヴォ ）といわれる方法を用いました。これは、詩を 朗唱 ふう、つまり、歌と話し言葉の中間をいくような旋律で歌い、それを和音的に支える伴奏を楽器で行うという形でした。いいかえれば、詩のリズムと内容が音楽より優位に立つという形式です。これが モノディ様式 と呼ばれるものです。

　 この手法によって、彼らは多くの独唱曲を試作しました。1597年には、 リヌッチーニ の台詞に ペーリ が作曲した最初の劇音楽 《ダフネ》 を書き、ついで 《エウリュディケ》 が書かれました。しかし、当時はまだ 歌劇 とはいわず、〈音楽のための劇〉（ ドラマ・ペル・ムジカ ）といっていた。また、 カッチーニ の独唱曲集に 《新音楽》 （ ヌオヴェ・ムジケ ）と題されたことから、この時代の音楽、特に カメラータ による作風を 新音楽 と呼ぶこともあります。

フィレンツェ に起こったこの新様式の音楽は、たちまちイタリア全土へと広まりましたが、特に ヴェネツィア に現れた モンテヴェルディ （C. Monteverdi, 1567-1643)によって、さらに進展することになります。 モンテヴェルディ には《 オルフェウス 》をはじめ、いくつもの歌劇作品があります。彼はそれらの作曲を通して、従来の諸形式と新様式を融合し、朗唱ふうな独唱をより旋律的なものにしました。それと同時に、その表現内容を深めて、劇的な要素を盛り上げ、そうすることによって発生当時の単純な音楽劇を一歩歌劇的なものへ進めたのです。また、当時使用されていたさまざまな楽器を一堂に集めて、合奏形態による伴奏を初めて行い、後のオーケストラへの道を開いたことも注目すべき業績といえます。ヴァイオリンの トレモロ や弦楽器の ピッツィカート 等の奏法を初めて用いたのも モンテヴェルディ だといわれています。

3. その後の歌劇

　 こうして始まった イタリア歌劇 は、17世紀の後半から18世紀の初めにかけて、活動の中心が ヴェネツィア から ナポリ に移ります。その中心的な人物が アレッサンドロ・スカルラッティ （A. Scarlatti, 1659-1725)でした。このナポリにおける歌劇運動のなかで、 ダ・カーポ・アリア と呼ばれる独唱形式や イタリア式序曲 といわれる器楽曲形式が確立されて、歌劇が形式的にも整えられるに至ります。


ダ・カーポ・アリア というのは、ABAの三部形式で書かれ、２度めのAは最初のAを繰り返す形で歌われたところから、この名がついたものです。 アリア というのは、「劇中の人物がその内面的な心の世界を抒情的に歌い上げる独唱曲」であって、形式的にはそこで劇の進行が一時中断されることになります。そこで、劇の進行を円滑にして、観衆にその推移をわからせるために、 チェンバロ の伴奏で語るように歌う部分（ セッコ・レチタティーヴォ ）も加え、 アリア とうまく組み合わせることによって、劇の筋書的進行と登場人物の内面的表現を一体として構成した舞台音楽が、歌劇なのです。


　 したがって、 アリア は一般的に旋律が装飾の多い華やかな形で作られ、美しい旋律を美しい声で歌い、声楽的な技巧を十分に誇示する方向で作られるようになっていきます。この傾向は、 ナポリ派 の歌劇で特に著しく、その後も イタリア歌劇 の伝統となっていきます。そのため、 コロラトゥーラ （技巧的で華やかな装飾）もよく使用され、 カストラート （去勢された男声歌手）と呼ばれる多くの歌手も輩出します。しかし、次第に歌手の名人芸的な技巧だけを歓迎する傾向が強くなり、美しい アリア を美声と技巧の持ち主である有名歌手の演奏で聴くということだけに歌劇が変質していってしまい、本来の劇的生命を失っていくことにもつながったのです。

　 また、急緩急（アレグロ-アンダンテ-アレグロ）の三部からなる スカルラッティ の イタリア式序曲 は、 シンフォニア とよばれ、これは緩急緩という形の フランス式序曲 とともに、 古典派 の 交響曲 の原型となっていきます。

　 こうして、形式的に整えられていく間に、歌劇には オペラ・セリア （正歌劇）と オペラ・ブッファ の２種類が生れてきます。前者は神話や古代に題材を求め、 アリア と レチタティーヴォ を重用して、劇としての荘重さを重視します。一方、後者は世俗的な内容を扱った喜劇ふうなもので、 ペルゴレージ （G. B. Pergolesi, 1710-36)の 《奥様になった女中》 が代表的な作品として残されています。

　 この イタリア歌劇 がフランスに移入されたのは17世紀の中頃ですが、これはただ イタリア歌劇 を上演したというだけの話で、それによって歌劇がフランスの土地に根をおろすということはありませんでした。しかし、16世紀の終り頃に、 〈王妃のバレエ・コミック〉 と呼ばれる総合的な舞台芸術が上演されるようになり、これの方がむしろ フランス歌劇 の直接の起源といえるかもしれません。

　この 〈王妃のバレエ・コミック〉 というのは、 フィレンツェ の メディチ家 から、フランスの ジョアュー公 のもとに マルグリット が嫁いできたときの婚礼の祝いのために作られたもので、一貫した筋書にもとづいて、舞踊、音楽、歌、朗読などが行われる形式になっています。ここから舞踊だけが独立して、後の 宮廷バレエ へと発展していきます。しかし、当時の 宮廷バレエ は、まだ純粋に舞踊だけによるものではなく、内容的には、むしろ歌劇に近いものでした。こうした素地の上に、 イタリア歌劇 の手法も取り入れて17世紀の後半に成立したのが フランス歌劇 であり、その中心人物が リュリ （J.B.Lully, 1632-87) でした。

　同じ頃、イギリスにも、以前からあった マスク （仮面劇）を土台として歌劇が作られるようになり、 パーセル （H. Purcell, 1659-95)に作例があります。またドイツでは、 シュッツ ( H. Schutz, 1585-1672)による イタリア歌劇 の輸入上演といった形で、僅かに歌劇活動が行われていました。

　 弦楽器では、 ヴィオール属 に ヴァイオリン が加わります。イタリアに有名なヴァイオリン製作者、たとえば、 ガスパロ・ダ・サロ （Gasparo da Salo, 1542頃-1609）、 マジーニ （G. Magini, 1580-1640)、 アマーティ （N. Amati, 1595頃-1684）、 ストラディヴァリ （A. Stradivari, 1644-1737)などが輩出し、すぐれた楽器が作られました。彼らの製作した楽器は、今もなお修正の必要がないほど完璧なものと考えられています。それとともに、演奏法も次第に確立されるようになり、この分野でも特にイタリアを中心に ヴィルトゥオーソ が輩出し、多くの名曲が作られていきます。

ヴァイオリン の出現と進歩によって、管弦楽という形での合奏音楽が発達しますが、楽曲としては合奏協奏曲のような ポリフォニック な様式の音楽が中心でした。管楽器では、 オーボエ と ファゴット がよく使用され、 ヴァイオリン とともに合奏音楽の中心となっていきます。また、 中世時代 に盛んに用いられていた リコーダ ー は、横笛の フルート にその位置を取って代わられ、 金管楽器 はまだ現在のようには確立されていませんでした。

　この時期の器楽の発達段階は次のようにまとめられます。すなわち、新しい器楽形式の発生とそれに伴う様式の発達、各楽器に固有な演奏法の確立と演奏技巧の発達、 ポリフォニー に対する ホモフォニー の優先、合奏形式の進歩……などです。そして、器楽のこうした発達過程のなかで、 数字付低音 または 通奏低音 とよばれる奏法が生まれてきます。これは低声部に数字を書き込み、それによって和声の進行を示したもので、16世紀後半に使われ始めました。このような形で書かれた低声部は バッソ・コンティヌオ と呼ばれており、２つの楽器またはそれ以上の楽器で担当されました。

5. 当時の器楽作曲家たち

　 この時期の ヴァイオリン 音楽には、 ヴィタリ （G. B. Vitali, 1644頃-92）、 トレリ （G. Torelli)　、 コレッリ （A. Corelli, 1653-1713)などの作曲家が活躍しました。彼らの作品には、 教会ソナタ （緩急緩急の４楽章の配列）、 室内ソナタ （組曲とほとんど同じ）、 独奏ソナタ などの形式によるものが多く、すぐ次に続く 古典主義時代 に重要な影響を与えていくことになります。とくに、 コレッリ の書いた12曲の合奏協奏曲は、この形式の確立を意味する重要性をもち、 トリオ・ソナタ （２つのヴァイオリン、 通奏低音 を受けもつ低弦楽器と チェンバロ で奏する三声部の楽曲）の形は、 コレッリ が完成したものとされています。

　 この３人の作曲家に続く世代には、 ヴィヴァルディ （A. Vivaldi, 1678頃-1741）や タルティーニ （G. Taltini, 1692-1770)などがいます。前者は 《四季》 を含む12曲の合奏協奏曲で有名であり、後者には 《悪魔のトリル》 を含む80曲にものぼる ヴァイオリン独奏曲 が残されています。そうした作品を通して、彼は 運指法 や 運弓法 に工夫をこらし、技巧性を一段と進歩させるのに貢献しました。ドイツではヴァイオリンは、独奏よりもむしろ合奏音楽での重要な楽器として用いられており、代表的な作曲家には テレマン （G.P.Telemann, 1681-1767)がいます。また同じ時期のフランスでは、 ルクレール （J. M. Leclair, 1697-1764)が活躍していました。

　 一方、 オルガン音楽 は、 バロック時代 を通じて、主としてドイツを中心に盛んになっていきます。その伝統は、17世紀前半におけるローマの フレスコバルディ （G.Frescobaldi, 1583-1643)から受け継いだもので、直接には、 フローベルガー （J. J.Froberger, 1616-1673)に受けつがれて、南ドイツへと広がっていくことになります。また、このイタリアからの伝統とは別に、オランダの スヴェーリンク によって開かれたもう１つの流れは、 ラインケン （J. A. Reinken, 1623-1722)、 ブクステフーデ （D. Buxtehude, 1637-1707)などによって、北ドイツを中心に盛んになっていき、その流れの上にやがて、 バッハ が現れてくることになります。

　 フランスとイギリスでは、オルガン音楽にはあまり見るべきものはありませんでした。むしろ クープラン を中心とする クラヴサン （ チェンバロ のフランス名）の音楽に、華やかな活動が見られました。もちろん、 チェンバロ音楽 は、イタリアでもドイツでもほぼ平行して発達していきますが、それぞれの国民性を反映した独特の音楽へと完成されていきます。

　 イタリアでは、 フレスコバルディ のあと、 ドメニコ・スカルラッティ （D.Scarlatti, 1685-1757)が出て、555曲にものぼる ソナタ を書き、イタリアの チェンバロ音楽 を様式的に確立します。 スカルラッティ は、 ヘンデル や バッハ と同年の生れで、35歳頃にポルトガルの宮廷楽長になりました。その後スペインに移って生涯を終えますが、重要な作品はその ソナタ にあり、他の作品はわずかしか知られていません。彼の書いた ソナタ は後の 古典主義時代 のものとちがって、大部分が二部構成の１楽章による ソナタ でした。技法的には、短い楽句や音型の反復を巧妙に使用したり、音階や分散和音をうまく使って、 ホモフォニック 的な効果をよく表しているのが特徴です。 スカルラッティ の後、この分野には チマローザ （D. Cimarosa, 1749-1801) 、 マルチェロ （B. Marcello, 1686-1739) 、 パラディージ (D. Paradisi, 1707-91) 、 ガルッピ （B. Galuppi, 1706-85)　などが出て、 チェンバロ のための作品を多く残しています。

　 またドイツでは、 フィッシャー （J. C. F. Fischer, 1665頃-1746）が 平均律 による曲集を書き、 《聖書ソナタ》 で知られる クーナウ （J. Kuhnau, 1660-1722)や パッヘルベル （J. Pachelbel, 1653-1706)などが活躍しますが、やはり オルガン音楽 が優位に立っていたといえます。

6. バッハとヘンデル

　 バッハ と ヘンデル は同年の1685年の生まれです。この年には ドメニコ・スカルラッティ も生まれていますが、没年の方は、 バッハ が1750年、 スカルラッティ が1757年、 ヘンデル が1759年となります。この1759年には、 ハイドン はモルツィン伯の宮廷楽長の職につき、その２年後に エステルハージ家 の副楽長に就任しています。つまり、 バッハ や ヘンデル が世を去った時期には、すでに 古典主義音楽 が始動し始めていたといえるのです。1750年を バロック の終期とする時代区分も、そういう意味では、納得のできるものといえるでしょう。

　 バッハ （J. S. Bach, 1685-1750)は、音楽家の家系に生まれ、宮廷楽団のヴァイオリン奏者や教会のオルガニストなどを務めながらの修業時代を過ごします。そして1708年から ワイマール の宮廷に、ついで1717年からは ケーテン の宮廷にそれぞれ仕えた後、1723年からはライプツィヒの トーマス教会 の合唱長の職について、その生涯を終えました。一方、 ヘンデル （ G. F. Handel, 1685-1759)は、 バッハ の生地からそれほど遠くないハレという町で生まれ、1703年には ハンブルク の歌劇場のヴァイオリン奏者となります。その後イタリアへ移って修行を重ね、歌劇作曲家として名をあげたあと、ロンドンに移りました。その地で20年以上にわたり歌劇運動を行いますが、晩年に発表した オラトリオ 作品で最終的な名声を確立することになります。

　 同年に生れたこの２人の大作曲家のうち、 バッハ は生地から遠く離れることはなく、その一生を宮廷ないしは教会の音楽家として過ごします。 ヘンデル はそれとは対照的に、ドイツ、イタリア、イギリスと、当時のヨーロッパの主要国を歩いて縦横無尽な活躍をしました。２人とも、中世以来の ポリフォニック な様式にもとづく作品を残しましたが、 ヘンデル の作品には、やや ホモフォニック な色彩が強いといえます。 バッハ は 中世 ないしは バロック 的な古い音楽家の生き方の中で活動しましたが、 ヘンデル の方は、より大衆に密着した歌劇運動に身を投じていただけに、その音楽はいきいきとしたなにか張りのある気分にあふれ、大胆で、スケールの大きさが感じられます。しかし、当時すでに古くなりつつあった イタリア歌劇 を踏襲した形で作品を書いていたため、皮肉なことに、現在では部分的に演奏されることはあっても、その作品はほとんど忘れ去られてしまっています。

　 それに対して、 バッハ は、ケーテン時代の 器楽作品 を除いては、主として 教会音楽 に集中して作品を書いていました。当世ふうな次元で書かなかっただけに、その孤高を保つことができ、歴史的には後世へ大きな影響を与えることになったのです。いずれにせよ、この２人の大作曲家の作品に 中世的ポリフォニー の世界が結実すると同時に、それはまた、新しい ホモフォニック な音楽の到来を意味するものとなりました。