ハイドン （F. J. Haydn, 1732-1809)は1750年代に作曲活動を始め、その生涯は19世紀の初めまで続きました。 モーツァルト (W.A. Mozart, 1756-91)は、神童の誉れ高く、一桁の年齢、つまり1760年代から作品を書き始めたものの、その生涯は短く、1791年に35歳の生涯を閉じています。 ベートーヴェン （L.v. Beethoven, 1770-1827)は、その２人よりやや生年が遅く、19世紀の最初の四半世紀までその生涯を伸ばしますが、彼の没年時代には、すでに ロマン主義 の音楽が華やかに開始されていました。

　しかし、この 古典派 の開幕に先立ち、 バロック から 古典派 への過渡的な時期が存在します。その動きの中に、 古典主義音楽 の萌芽も見られるところから、その時期を 前古典主義 の時代と呼ぶことがあります。時代的には1740～80年頃のことです。

バロック時代 は、社会的には 絶対主義時代 に重なりますが、18世紀末には フランス革命 がおこって、社会体制はもちろんのこと、人間の思想にも大きな変化をもたらしました。その変革を指導し、推進したのが、 啓蒙思想 でした。

絶対主義体制 下にあった人々も、科学の発達や思想の変化にしたがって、 絶対主義 に対して疑問を持ち始めていました。彼らは 神や神への信仰 の代りに、心のよりどころを 人間の理想 に求めようとしたのです。 カント が「なんじ自身の 悟性 を使用する勇気を持て」と表明した言葉にも、それがよく表されています。この考え方がつまりは啓蒙思想であり、18世紀の後半において思想界の中心的な考え方となっていくのです。

啓蒙主義 はことにフランスで発達し、 モンテスキュー （C. Montesquieu,1689-1755)、 ヴォルテール （Voltaile, 1694-1778)、 ルソー （J.J. Rousseau,1712-78)などが輩出します。そして、それをさらに推進したのが、この３人を含む 百科全書派 とよばれるグループです。彼らは哲学者の ディドロ （D. Diderot, 1713-84)を中心に、20年余もかけて、 近代哲学 や 自然科学 の知識を盛り込んだ 百科全書 を編纂して、彼らの思想を強く訴え、それが後の フランス革命 を準備する役割を果たすのです。

　しかし、だからといって、急に社会体制が変化したというわけではなく、音楽家の地位は依然として低く、宮廷ないしは教会に仕える一奉公人という立場に変りはありませんでした。当時の音楽家が宮廷楽長ないしは教会の合唱長という地位を欲しがったのも、それによって地位が安定し、収入を確保することができたからです。 ハイドン が30年近くも務めた エステルハージ家 の宮廷楽長という地位も、優遇はされていましたが、本質的には、その身分に変りはありませんでした。また モーツァルト が、後年ウィーンで独立せざるをえなかったのも、そうした安定した地位を得ようとして得られなかった結果の、余儀ない生活形態だったのです。しかし、その後 ベートーヴェン や シューベルト の時代、つまり19世紀の最初の四半世紀時代になると、近代的な意味での自立する音楽家の姿を認めることができるようになります。それこそ、 ロマン派時代 の音楽家の姿といえるでしょう。

2. その後の音楽界の推移

　 この時期の歌劇界には、ドイツ人ですが、主としてイタリアで活躍した ハッセ （J.A. Hasse, 1699-1783)、反対に、イタリア人でウィーンその他で活動した ヨメリ （N. Jommelli, 1714-74)、あるいは ピッチーニ （N. Piccini, 1728-1800)などが出て、19世紀はじめに ロッシーニ その他が現れるまでの歌劇界を推進していきます。

　フランスには ラモー が現れて、フランス歌劇をさらに一歩進めます。1722年に 《和声論》 を発表し、近代的な和声連結を示して、その後の 機能和声 の基礎を確立したことも、 ラモー の重要な業績といえます。また、この時期のフランス歌劇界には、イタリアの オペラ・ブッファ を称賛するグループと、フランス式の 宮廷オペラ を支持するグループとに分かれて、いわゆる ブフォン論争 が引き起こされました。その前者が 百科全書派 のような 啓蒙主義者 たちのグループだったことは、やがて、 フランス革命 が引き起こされてくるだけに、きわめて象徴的なことといわなければなりません。

　 一方、その頃、オーストリアには グルック （C.W. Gluck, 1714-87)が出て、 歌劇 の改革を進めていました。それまでの 歌劇 のほとんどは、歌手の技巧を誇示することに拘って、 歌劇 の劇音楽としての本来の性格を失うようになっていました。そこで グルック は、まず台本の言葉を生かし、それにふさわしい音楽をつけることを考えたのです。そのために序曲を歌劇全体の劇的な内容と結びつけたり、 レチタティーヴォ と アリア の差をなくしたりするような直接的な改良を加えて、歌劇を本来の姿に戻そうとしたのです。彼の作品としては《 オルフェウス 》がよく知られています。

　この時期を器楽面から見ると、１つは鍵盤楽器の分野でそれまで中心的な楽器として愛されていた チェンバロ や クラヴィコード にとって代って、 ピアノ がその首座を占めるようになったこと。そしてもう１つは、 マンハイム楽派 に見られる オーケストラ音楽 の隆盛という、２つの現象が目立っています。

ピアノ がイタリアの クリストフォリ （B.Cristofori, 1655-1731)によって発明されたのは1709年ですが、楽器としての機能が整えられ、広く用いられるようになるのは18世紀後半になってからです。 ハイドン や モーツァルト の ピアノ曲 も、最初の頃の作品では チェンバロ 的な奏法が反映されていますが、後年の作品では、作曲者が ピアノ で弾くことを明確に意識して書いているところがあります。もちろん、 ベートーヴェン は最初から ピアノ で学び、 ピアノ のための作品を書いています。

　 そして、この ピアノ という新しい楽器への移行は、当然のことながら、楽曲にも変化を与えることになりました。 チェンバロ時代 に多用された組曲は次第に姿を消して、 ソナタ が定着し、 バロック ふうな合奏協奏曲（複数の楽器によるアンサンブル曲）に代って、独奏協奏曲（ソロ楽器とオーケストラが共演する曲）が盛んに作られるようになったのです。音楽そのものも、 ホモフォニック な手法で簡明で率直な音楽へと変化しつつありました。この面では、 ドメニコ・スカルラッティ が、いち早く二部構成の１楽章の ソナタ を多く書きました。それに続く世代には、 バッハ の息子たち、つまり、 フリーデマン・バッハ （W.F. Bach, 1710-84)、 エマヌエル・バッハ （C.P.E.Bach, 1714-88)、 クリスティアン・バッハ （J.C. Bach, 1735-82)などがおり、この分野での作品を残しています。とくに、 エマヌエル・バッハ は、従来の二部構成の ソナタ から、 展開部 をはっきりと独立させ、 古典派 で確立されることになる三部構成の ソナタ形式 への道を開いて、同時の３楽章制の ソナタ という組形式の成立へも大きな貢献を果たしました。また、 エマヌエル・バッハ による 《 クラヴィーア 奏法試論》 は、当時の ピアノ音楽 を知る上にはきわめて貴重な書といえます。

オーケストラ音楽 の面では、まだそれほど高い水準に達していたわけではないとはいえ、マンハイムの宮廷に ヨハン・シュターミッツ （J. Stamitz, 1717-57)を指導者とする、優れたオーケストラがありました。楽員の数も50名に近い編成をもち、 交響曲 と題された作品も演奏していました。しかし、当時では、 オーケストラ は貴族の私有という形でしたから、その所有者の経済的条件に左右されることも少なくありませんでした。 ハイドン が エステルハージ家 で監督し、指揮をしていた オーケストラ も、せいぜい20人程度のごく貧弱なものでしかなかったのです。

　しかし ベートーヴェン 時代になると、 クラリネット も常用されるようになって、２管編成が定着してきます。一般の大衆が参加する音楽会も開かれるようになって、 オーケストラ音楽 もその基本的な形を完成することになるのです。

3. ハイドンとモーツァルト

　 1732年生れの ハイドン が、 エステルハージ家 の楽長職についたのは、彼が29歳のときでした（当初は副楽長、５年後に楽長）。そして、58歳までの30年にもおよぶ年月にわたって楽長職を務め、その後は自由な音楽家として、名声と富に包まれながらその生涯を静かに終えました。それに対して、優れた音楽家を父として生れ、幼少から英才教育を受けた モーツァルト は、早くからヨーロッパ各地に旅行をして、神童の名を欲しいままにしました。しかし、25歳でウィーンに自立してからの10年間は、経済的にも恵まれず、人からも受け入れられず、不遇ともいうべき境涯のうちにその生を終えたのです。 ハイドン の77年という長い生涯のうち、 モーツァルト は ハイドン の24歳から59歳までの35年間と、僅かにその生涯を重複させているに過ぎません。年齢的にも ハイドン の方が24歳も年長であったにもかかわらず、 モーツァルト の死後もその活動の時期を伸ばし、ある点では後輩の モーツァルト に影響されたところすら皆無とはいえません。

　ハイドン が、 古典主義音楽 の中心的な課題ともいうべき ソナタ形式 と、それを含む ソナタ という形式を確立したのは、1781年に書いた 《ロシア弦楽四重奏》 においてであるといわれています。確かに、 ハイドン は、それ以後の諸作品において ソナタ の形式性を確立し、内容や質においてもその充実ぶりを見せているものの、それに人間性を加味して精神的な深みを与えたのは、いうまでもなく ベートーヴェン です。 ソナタ の形式性の確立を含めて、 古典主義音楽 の成立していく流れを見つめてみると、 ベートーヴェン には、 モーツァルト よりも ハイドン への絆の方が強いように思えてきます。


　それでは、 モーツァルト は何をしたのでしょうか？　 ソナタ形式 というのは、 第１主題 と 第２主題 を提示し、それらにもとづく 展開部 をそれに続け、最後に、再び２つの 主題 を再現するという方式、いいかえれば、きわめてメカニックな論理性に支配される形式といえます。 ベートーヴェン が ハイドン から受け継いだものは、その論理性にほかなりません。 モーツァルト は、その論理性に豊かな色づけと楽しさを与え、そのメカニズムから堅さを取り除いたのです。天才ならではの流れるような優雅な旋律、しかもそれがやや断片的に現れながらも、けっして散漫になりません。そして副主題らしきものを多く出しながらも、微妙で、不規則で多様性に富む旋律様式を生み出す巧みさは、その反面、構成的、論理的には脆さを見せることもないではありません。しかし、それを、 モーツァルト はその天才的な能力で、見事に縫合し、まとめ、その脆弱性を逆に利用して、音楽的な情緒性を盛り立てるのに成功したのです。

　ハイドン が 古典主義音楽 の形式性を整え、同じ頃、 モーツァルト はそれに情趣を加える工夫をしました。この２つの基盤の上に立って、 ベートーヴェン は名実ともに 古典主義音楽 を完成させたのです。だからこそ、われわれは 古典主義 の音楽の流れを、この３人の作曲家の生涯のうちに見ることができるのです。